Sécession Viennoise. 
 
Les principaux acteurs de la Sécession Viennoise sont Klimt, Schiele, et Kokoschka.

Il y a, à Vienne, à cette époque de nombreuses personnalités: Wagner; Hoffmann (architecte du palais Stoclet); Hertzel (sioniste); Loos (architecte); Freud (psychanalyste); Mahler, etc.

En 1884, l'impressionnisme éclate. Mais à Vienne, on fait toujours du Viennois.

La Vienne de l'époque est décrite comme étant "Le laboratoire de l'apocalypse" selon Karl Kraus. La mentalité générale de la cité se caractérise par un mélange d'étroitesse d'esprit et d'insouciance frivole. Tout à Vienne est prétexte à la fête. Il y a une illusion qui maintient la ville dans une complaisance d'autosatisfaction qui la mènera à une perte culturelle. Tout va mal mais la haute société porte des oeillères. (Il subsiste pourtant une certaine ambiguïté au sein de Vienne entre la lucidité et l'illusion.)

En fait, depuis le 16 è siècle, l'empire Austro-hongrois ne cesse de vivre dans la décadence.  

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Klimt. (1862-1918)

Peintre symboliste du mouvement Art Nouveau, membre fondateur de la Sécession Viennoise. C'est un artiste "dépressif, et "décoratif dans son art". Klimt n'est pas "moderne", car ne voulant pas faire avancer l'art. Mais sa peinture l'est résolument

A 18 ans, il a sa première commande murale comme décorateur, et réalisera de nombreuses fresques. Mais, petit à petit, il va se tourner vers son propre art et rompre avec l'académisme. C'est à cette suite qu'il aura une commande murale venant de l'université de Vienne. (voir plus loin.) 

Klimt voyagera beaucoup. C'est au cours d'un de ses voyages qu'il découvre Ravel et ses fresques byzantine. Ce qui l'influencera, notamment dans l'utilisation de l'or dans les peintures
 
Klimt est connu en Belgique pour sa Frise du palais Stoclet. A Vienne, il est, avant tout, un portraitiste mondain reconnu.

Son œuvre maîtresse de l'époque viennoise est une série d'allégories peintes pour illustrer différentes matières de l'université de Vienne : la philosophie, la médecine et le droit. Ces peintures seront très critiquées. Car, Klimt représente à travers ses fresques les torts de la société viennoise.

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Palais Stoclet. (avenue de Tervuren) Palais construit de 1907-1911 sur base des plans de l'architecte Hoffmann. Il est beaucoup plus cubiste que les bâtiments, plein de contreformes, de l'époque. En ce sens, l'art nouveau viennois "annonce" le Bauhaus ou l'art déco.

Les mosaïques (très exubérante) de Klimt à l'intérieur du palais, représentant l'Arbre de vie et un couple, sont très proches de l'art grec.

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La peinture de Klimt regorge de symbole. Comme chez Freud, il y a recherche de la mythologie. (Danaé, son fils qui tuera son grand père; représentation d'Athéna qui protège la jeunesse. Jeunesse qui, selon la tradition, tue le minotaure; Eros et Thanatos; etc)

Ce qui caractérise le plus sa peinture étant la profusion des détails, la richesse des décors et de la coloration de ceux-ci. (Ainsi que la précision des portraits.) Le fond doré rappelle son côté décoratif. (son père était orfèvre)
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Egon Schiele (1890-1918)

Peintre et un dessinateur autrichien.

Il commence à peindre à l'âge de 15 ans et rentre en 1915 à l'académie de Vienne. (mais a du mal à supporter l'académisme). En 1907, il rencontre Klimt, qui sera son modèle et maître. Schiele lui vouera une grande admiration, qui sera réciproque de la part de Klimt.

En 1912, il est arrêté en raison de ses dessins érotiques, dit "pornographique", et du soupçon porté contre lui de détournement de mineurs. Après jugement, il sera innocenté. Ceci étant, la personnalité de Schiele supportera mal ce discrédit et il brûlera ses dessins. Il mourra en 1918, de la grippe espagnole. 

Schiele n'aura peint que pendant huit ans. Mais pendant cette courte période, tout aura été dit, chez lui.

Ses peintures provoquent le spectateur, suscitant chez lui un malaise par rapport à la mort et à l'érotisme, mais aussi par des couleurs verdâtres de décomposition. L'Éros et le Thanatos sont là, donc, mais il n'y a pas de séduction, contrairement aux oeuvres de Klimt.

Chez Schiele, le dessin est prédominant sur la peinture. Son dessin est net, avec un trait marqué, énergique et sûr - parfois violent. Il ne fait pas disparaître le squelette sous la chair, il le dessine dans la logique des mouvements et des postures. Ce qui donne un dessin en trois dimensions, au lieu de deux. Ses portraits et ses nus sont dessinés dans des poses insolites ce qui donne cet aspect "désarticulé" propre à son art. (Schiele a aussi fait près d'une centaine d'autoportraits.)

Brancusi (1876-1957)

C'est un sculpteur roumain. En 1904, il voyage à Paris. Et en 1907, se retrouve chez Rodin. Au bout de trois mois, il part. ("Il ne pousse rien à l’ombre des grands arbres.") reprochant à Rodin d'être plus marchand que artiste. (un peu comme Rembrandt et Rubens). C'est à partir de ce moment qu'il va réaliser sa première version du Baiser.

Brancusi est un des premiers sculpteurs à expérimenter l'art abstrait. Ses sculptures devenant progressivement plus lisses et moins figuratives, jusqu'à ce que subsiste seul le contour le plus nu du sujet original.

Brancusi a vécu et travaillé dans son atelier de Paris. L'atelier original a disparu et a été reconstitué près du centre Georges Pompidou. Son atelier étant une œuvre d'art à part entière. Brancusi exposera dans son atelier. Chaque œuvre occupant une place bien définie, déplacer une seule de ces œuvres serait pour lui rompre l'harmonie qui règne dans ce lieu. Les photographies prises dans son atelier aident à la compréhension de son œuvre. Il cèdera son atelier à la France, à conditions que l'on y touche pas. 

En 1935, on  lui commande un monument en mémoire des morts de la première guerre mondiale. Il le réalise entre 1937 et 1938, à Târgu-Jiu ; l'ensemble, comprenant la Table du silence, la Porte du baiser et la Colonne sans fin, représente le long d'un trajet rituel, les moments essentiels de la vie.

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Il sera très inspiré par Milarepa (moine tibétain); l'Egypte; et de la franc-maçonnerie. (Notamment Helena Blavatski (franc-maçonne), qui a écrit des livres qui ont été lu par Brancusi, Malevitch et Mondrian.)

Selon Radu Varia, Brancusi effectue une rupture avec une culture datant de 3000 ans : l'homme ne sera plus son canon esthétique.  Il effectue un retour aux temps égyptien et trouve son inspiration dans le nombre d'or. (se rapproche du point de vue scientifique de Malevitch)

Pour Brancusi, "c’est la texture même du matériau qui commande le thème et la forme qui doivent tous deux sortir de la matière et non lui être imposés de l’extérieur"

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Sa dernière création est composé de trois parties et est un lieu de commémoration. Ce monument, reprend les principaux thèmes de son œuvre et en marque l'aboutissement. (Il ne fera plus de sculpture après 1937)

Le premier élément est la table du silence. Elle est en forme de clepsydre et est un lieu de recueillement. Elle est le "point de départ de l'illumination"; Vient ensuite la porte du baiser (qui reprend le thème du Baiser.) C'est le souffle de la vie; Ensuite, en suivant l’axe sur lequel se trouvent le table du silence et la porte du baiser, on parvient au troisième élément : la colonne sans fin, une structure en acier haute de vingt-neuf mètres de hauteur. On pourrait dire qu'il y a un quatrième élément : l'espace. (Table ==>porte : 190m || Table ==> colonne : 1650m)

L’unité spirituelle entre les œuvres de Târgu Jiu existait déjà dans l’atelier. Brancusi avait, auparavant,  gravé le motif du Baiser sur des socles et construit une Colonne du baiser en plâtre. Il a taillé plusieurs variantes de La Colonne sans fin. Et les clepsydres de La Table du silence sont issues des socles de son atelier.

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Dans le Baiser tout les éléments n'en forment qu'un. (la bouche, l'oeil, les corps : tout ne forme qu'un seul bloc.) Avec cette œuvre, Brancusi se dégage de Rodin. Il cherche une nouvelle réalité plastique. Pour lui, la sculpture a une fonction spirituelle qui ne réside pas dans l’apparence mais dans un principe de réalité inscrit au cœur de la matière. Il doit respecter la vocation formelle de la pierre ou du bois en travaillant à la taille directe, sans ébauche préalable, pour révéler "l’essence cosmique de la matière".

La verticalité est la dimension première de l’œuvre de Brancusi. C’est une dimension spirituelle qui ne définit pas une mesure mais une direction: un élan vers le ciel. L’élan vertical de ses sculptures vient du centre de la terre et le socle symbolise le prolongement de cette énergie contenue au sein de la matière. La Colonne sans fin, constituée de rhomboïdes superposés, pourrait n’être qu’un socle que l’énergie de la terre propulse vers un espace infini.

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En résumé, Brancusi prône la taille directe; la matière naturelle (grande importance du choix du matériaux) ; et le polissage jusqu'à devenir de la lumière (spirituel).

La matière (l'espace étant matière) est immatérielle, voire intemporelle.

Le socle est intégré aux sculptures de Brancusi. Le socle ne se présente pas comme un support, il est un élément à part entière. Brancusi va même les considérer comme des œuvres. Il prolonge une énergie venue de la terre. Il y a aussi la notion d'équilibre de l'instable (la sculpture est juste posée.)

On retrouvera chez Brancusi les cubes; les formes ovoïdales; les cylindres; et les pyramides.
 
Trois matériaux de qualité : blanc (matin) bronze (midi) noir (soir)

Tatline (1885 - 1953) 
Peintre et sculpteur constructiviste. Son œuvre la plus célèbre est son projet de Monument à la Troisième Internationale mais qui ne sera jamais construit. Elle constitue également l'œuvre la plus emblématique du Constructivisme, dont Tatline fut le principal inspirateur. 

Il rencontre Picasso et se demande pourquoi reconstruire après déconstruire?
Son autoportrait est triangulaire (impression de masque) ce qui dénote un rapport à Picasso (voire Gauguin)

La sculpture de Tatline n'a aucune séduction. (contre relief) Selon lui, on peut sculpter avec chaque matériau. ("Culture des matériaux") Chacun a ses propres qualités. Il faut les respecter.

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Tatline utilise les contre-reliefs des matériaux industriels, tels que les métaux, le verre, le bois et le sable; et n'en modifie pas la nature. Il en garde toutes les qualités esthétiques premières. Il construit les contre-reliefs en exploitant les associations entre les matériaux et les alternances de surfaces.

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Monument à la Troisième Internationale 

Pour la troisième année de la révolution russe commémorée par Lénine en 1920, on veut construire un bâtiment à trois rotation différentes et perpétuelles sur le rythme "1mois, 1semaine, 1 jour" et censé représenter la nouvelle société russe. Ce bâtiment en spirale penchée est destiné à accueillir le siège de l'Internationale. Mais il ne sera jamais réalisé.

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Rodtchenko. (1891-1956) 
Sculpteur constructiviste brisant l'habitude car utilisant des matériaux pauvres comme la carton. Selon lui, l'objet n'est pas le matériel mais le vide entre ces derniers. Ce qui implique que le  vide immatériel est considéré comme étant matériel. Il remet en question le socle et l'air.

Futurisme.

Art sculptural, pictural et musical. (musical: enregistrement des bruits de la ville.) qui veut fixer la vitesse et le mouvement. L'intégration de la vie dans l'art faisant aussi parti de ses idées. (Ex : Picasso intégrait du papier journal à certaines de ses toiles.) Le futurisme est l'un des mouvements d'avant-garde qui a le plus choqué car prônant l'amour de la vitesse, de la violence, de la machine, le mépris de la femme, la guerre "comme seule hygiène du monde".

Les futuristes rejettent la tradition esthétique et exaltent le monde moderne, en particulier la civilisation urbaine, les machines et la vitesse. Ils font interagir les formes, les rythmes, les couleurs et les lumières afin d'exprimer une "sensation dynamique", une simultanéité des états d'âme du monde visible. Tout est régit par la vitesse.

Le futurisme, ayant un aspect revendicatif dans l'art, refuse les sujets traditionnels, prônent la liberté et l'immédiateté contre toutes les formes déterminées. La peinture futuriste est le reflet d'un malaise social. 

Plus qu'un mouvement, le futurisme devient un art de vivre. Il touche la peinture, la sculpture, la littérature, le cinéma, la photographie, le théâtre, la musique, et l'architecture. Le mouvement deviendra art officiel fasciste sous Mussolini et mourra avec ce dernier.  

Avec les inventions du 20e siècle (TSF, paquebot, avion), tout semble déjà s'axé sur la vitesse et les nouvelles inventions.

Il y a chez, les futuristes, une fragmentation du visage. (comme pour le cubisme.) (En soi, c'est la même chose mais en plus dynamique.)

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1908 : Manifeste du futurisme.
1917: Courant du bauhaus.
1922-23: Metropolis. Rapport entre l'homme et la machine. 

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Parallèlement en Europe :  

Art allemand : Exaltation de l'homme et de la nature. Tous les artistes vont quitter la ville et le monde industriel. On va favoriser le rapport avec la nature.
Post impressionnisme : pointillisme. (ex: Chez Seurat, le temps est arrêté.)
Cubo-futurisme: art russe qui va mener à l'abstraction et au constructivisme développé entre 1910 et 1915

Quelques futuristes.

Marinetti : théoricien du futurisme. (manifeste publié en 1909)

Marinetti (écrivain) effectue une constatation navrante sur l'Italie. Artistiquement, c'est le vide. (L'Italie est génitrice de courant artistique (baroque, maniérisme, renaissance) mais, au 20è, il n'y a plus rien.) Dès lors, il crée le futurisme, qui se veut avoir un aspect revendicatif dans l'art créant une révolution plastique et politique. Marinetti est l'auteur du "manifeste du futurisme"

Russolo: père de la musique bruitiste. 

A travers une théorisation de la notion de bruit, il va faire l'apologie du son. Le bruit est ingérable et échappe à toute classification (par exemple, le bruit d'une usine). Et donc, il est différent du son, de la musique. Ce qui explique la volonté de le classifier (et donc, de le contrôler)

On retrouve dans sa peinture les voitures; les formes triangulaires; et les couleurs (rouge, jaune)

Severini: Il capte le mouvement (différemment de Degas) Intègre des paillettes (éléments non pictural) ce qui augmente la sensation de vitesse et de mouvement. 

Boccioni : On retrouve dans sa peinture : Robotique - Énergie - Figure déshumanisée. (homme anti-sentimental.). Il fait l'apologie de la violence et de la guerre. Il suggère le mouvement.

Moch: Ingénieur. Triangle. et Forme dynamique. (chez impressionniste : fragmentation de la couleur)

Bases du Manifeste.

Le manifeste expose une position intellectuelle; la violence de certains arguments a d'abord comme objectif de créer la polémique, de « choquer le bourgeois ». Le mouvement se veut provocateur et souhaite créer le scandale. 

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Les futuristes pensent que le passé n'aidait en rien à construire l'avenir : ils le refusaient donc totalement et partaient du principe que tout ce qui appartenait au passé devait être détruit car pour eux, seul le futur comptait.

La violence et l'agressivité se retrouvent explicitement dans le Manifeste du Futurisme Les artistes souhaitaient en effet résoudre les problèmes de l'époque par la violence, par la guerre. 

La modernité était une source d'inspiration pour ces artistes de mouvement qui considéraient que la ville était bien plus belle qu'un paysage naturel. Tous les éléments urbains étaient glorifiés et les usines et les inventions modernes (comme la voiture) étaient représentées pour leur beauté.

La vitesse et les mouvements devaient apparaître dans les œuvres futuristes. Quand les artistes représentaient un homme en train de marcher ou une voiture lancée à toute vitesse, tous les mouvements devaient être reproduits. De plus, il y a ode envers les moyens de transport (avions, bateaux, trains et surtout voitures) car ils les considéraient comme un symbole agressif de leur mouvement.

Kandinsky (1866-1944)

Issu de famille bourgeoise, il a fait des études de droit et d'économie à l'université de Moscou. A 30 ans, en 1896, il commence des études de peinture, à l'Académie des Beaux-arts de Munich. Ville où, en 1911, il fonde le cercle artistique "Le Cavalier Bleu". En 1912, il publie sa première théorie, "du spirituel dans l'art". En 1918, il retourne en Russie, où, jusqu'en 1921, il s’occupera du développement de la politique culturelle du pays. L’année suivante, les soviétiques interdiront officiellement toute forme d’art abstrait car jugé nocif pour les idéaux socialistes (pas assez "communautaire"). En conflit avec les théories officielles de l’art, il retournera en Allemagne où il enseignera au Bauhaus à partir de 1922 grâce à Paul Klee. En 1933, alors que l'école du Bauhaus ferme par les nazis, il s'installe à Paris et devient amis avec Arp (dadaïste; surréaliste) et Mondrian (cubiste; abstrait)

Chronologiquement, il est considéré comme l'artiste qui a crée la première oeuvre abstraite avec une peinture aquarelle. (1910) (Quoique, en regardant les oeuvres de Turner, on peut être divergent quant à cette date)

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On peut séparé l'oeuvre de Kandinsky en quatre périodes : 
- Munich (la plus importante mais dont peu d'oeuvres ont subsistés)
- Moscou
- Bauhaus
- Paris.

Il faut distinguer les "Improvisations", qui sont pleines de spontanéité, d'impulsion (expression et émotion venant de l'intérieur); les "Compositions" qui sont plus réfléchie et élaborée; et les "Impressions. (rapport avec la nature; le tableau évoque la nature)

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C'est à Munich que Kandinsky développe sa théorie du "spirituel dans l'art", influencé grandement par Worhinger (suivant son essai "La nécessité intérieure") qui disait que l'art se dirigera, à n'en pas douter, vers l'abstraction.

Suivant les lectures de Worhinger, Kandinsky passe d'un art figuratif à un art abstrait. L'abstraction doit délivrer un message. La couleur pure et la forme indépendante ne devant pas être décorative. Pour Kandinsky, il faut donner un sens à la peinture. Et pour cela, il faut libérer la forme et la couleur. (Il découvre le non figuratif avec les toiles impressionnistes. Monet faisant de l'abstrait, vu de près. De par sa nature, l'impressionnisme se dirigeait vers l'abstraction.)

Chez lui les grandes masses colorées évoluent indépendamment des formes et les lignes ne servent plus à les délimiter ou à les mettre en valeur. Il combine les deux afin qu'elles se superposent et se chevauchent. 
(La couleur correspondant à la mathématique et à la géométrie. Tout est construit.
 Il fait, pour ses toiles, une "étude scientifique.)

Il y a chez Kandinsky, une quête de la spiritualité et du sublime (après 1944, il y aura Rothko, James...)
Quête de l'absolu, également. Selon lui, la foi ne se démontre pas. Elle n'est qu'exprimable - et ce, via l'abstraction, qui est l'expression la plus adaptée. 

Les grandes références de Kandinsky sont 
- Rudolf Steiner
- Helena Plavatski
- Worhinger
- La musique, avec laquelle les toiles ont un grand rapport. (voir les improvisations; impressions et composition)

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Théorie de Worhinger : Worhinger se rend compte de la limite des sciences, sans pour autant les remettre en cause. Mais si les sciences exactes ne le sont pas, que sont-elles? En soi, la seule réponse est, peut-être, de se diriger vers une quête du spirituel.

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(Le Bauhaus aura, en quatorze année, eut une très grande importance sur l'ensemble des domaines artistiques (architecture, peinture, typographie, publicité, etc). Il y aura eu trois lieux pour cette école (Weimar, Dessau et Berlin). Fortement inspiré par la révolution russe.)

(On retrouve chez Kandinsky une énergie gyroscopique. Durant le Bauhaus, il aura une période très géométrique, avec des cercles, des triangles, des angles obtus et aigu. Toujours avec ce rapport à la musique. A Paris, aura une périodes "biomorphiques" où il exploitera un espace sur la toile, infini, et un instant microcosmique. Il s'inspirera de la photographie.)

(Concernant l'abstraction, les Delaunay font de l'abstraction précoce, si l'on regarde leurs toiles. (Très cerclique. Il en est de même avec Kupka.)

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Mondrian (1872-1944)

Au début de son oeuvre, Mondrian part de la nature pour s'exprimer. Peu à peu, ses travaux sur la lumière et la perspective le conduisent vers une abstraction croissante. Il y aura dans ses compositions la disparition du réel visible et l'apparition "d'image de l'esprit".

De 1912 à 1914, il ira à Paris, où il s'intéressera à Picasso et à la déconstruction. 
En 1914, il retourne au Pays bas, où il contribuera à la revue "De Stijl" (groupe crée en 1917 parallèlement au Bauhaus et aux théories avant-gardes russes)
En 1919, jusqu'en 1939, il restera à Paris, où il développera son art abstrait.
Et de 1940 à 1944, il exposera à New York.

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C'est suite à la lecture de conférences - comme celle de Goethe, Hegel, ou autre conférence théosophique -, qu'il se dirige vers l'abstraction.  (Matisse s'inspirera de la théorie des couleurs de Goethe, qui disait que toutes les couleurs pouvaient être déduite du RVB; "le monde coloré [selon Aristote] découlant de l'opposition fondamentale du clair et de l'obscur.") Dans sa théosophie de la peinture, Mondrian n'utilisera que trois couleurs. (Jaune, Rouge, et Bleu.)

A partir de 1920, donc, il ne travaillera plus qu'avec ces trois couleurs qu'il associera au blanc (qui lui sert de fond) et au noir (qui lui sert à délimiter les couleurs entre elles); structurant, généralement, ses oeuvres de manières géométrique en utilisant des formes rectangulaires; et donc, n'utilisant que des éléments purs (ligne, courbe, rectangle...) dans son art.

Les tableaux de Mondrian donnent l'impression d'être l'application d'un système mathématique. Mais il n'y a rien de rationnel. Tout est intuition.

Mondrian est en quête de l'absolu et du sublime. Il exprime le Sacré (qui est indescriptible) par l'abstrait.

Par certains côtés, il rejoint le suprématisme de Malevitch. (à ce détail près que Si Mondrian est à la recherche de l'absolu et du sublime; Malevitch recherche à prôner une suprématie de la science et du cosmique) Il élimine l'accessoire et cible le principal.

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L'atelier de Mondrian est très spartiate. Il l'a, volontairement, dénudé afin d'éviter que son esprit ne se déconcentre lors de la création. ("L'homme ne peut contrôler la nature", en ce sens que s'il était entouré de cette dernière, il ne pourrait s'empêcher de la regarder et, donc, de travailler). De plus, il est adepte de la théorie de l'évolution disant que " chaque chose accomplie est une chose moindre à ce qui doit être accompli.)

Paul Klee (1879-1940)  (rythme)

Né de parents musiciens, il grandit dans un univers musical. De ce fait, il hésitera longtemps entre la musique et d'autres arts mais, finalement, commencera des études de violoniste. Au bout d'un moment, il quittera Berne pour s'installer à Munich où, étonnement, il fera des études de peintures. Après ces dernières, il retourne à Berne et y travaillera comme musicien jusqu'en 1907. De cette date, il retournera encore une fois à Munich et choisira définitivement la peinture.

A Munich, bien installé, il fera, avec Kandinsky, parti du "Der Blaue Reiter". En 1911, il rencontrera les époux Delaunay. Et durant la période de la Grande Guerre, se réfugiera en Suisse. (Mais avant de se rendre en Suisse, il fera un crochet par la Tunisie où, à l'instar de Matisse, il sera grandement marqué par les couleurs.)

En 1918, il entrera au Bauhaus comme professeur et y invitera Kandinsky. Il restera là, jusqu'en 1931, démissionnant de son poste. Klee y théorisera grandement. Après le Bauhaus, il donnera des cours à Düsseldorf mais il sera interdit d'enseignement, et de peinture, à cause du nazisme naissant. Il quittera la ville et mourra en 1940 de la taxo-dermose. 

Tout au long de ses voyages, Klee développera son dessin. (Oeuvre à part de ses peintures)

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Klee est très inspiré par la musique et les arts premiers (architecture, sculpture, etc)
 
Il y a un rapport entre l'homme et la nature, qui est, pour Klee, la condition sine qua none pour l'abstraction. Il est très attaché à l'observation de la nature. Selon lui, l'artiste devrait suivre l'évolution de la nature. 

Il y a un rapport entre la Nature, l'Artiste et Dieu. Pour lui, Dieu a crée la Nature (et donc, l'homme, les animaux et les végétaux) selon un rythme (suffit d'observer les marées, les saisons, etc) et ce, sans intervention de l'homme. Cependant, dans ce que crée l'homme, il y a aussi un rythme. Le lien entre l'homme, l'artiste et Dieu, c'est le rythme. Il y a une universalité.

"Le tableau doit être une chose organique en lui-même, comme sont organiques les plantes et les animaux, tout ce qui vit au monde et dans le monde."

Au niveau de sa peinture, il est très influencé par l'Art Primitif. Il dépeint une couleur autonome, impalpable; le pictural (couleur) et le graphique (écriture) sont séparés. L'écriture faisant toujours parti de ses tableaux.

Inspiré par la peinture, la poésie et la musique. On pourrait dire qu'il peint les partitions musicales d'un poème.

En raison de la petite taille de ses toiles, Klee est un artiste très intimiste.